De tous temps, les migrants ont été une chance pour la France. Paris a toujours été un lieu d’accueil pour les artistes. Ils y ont créé des espaces de rencontre, de confrontation, de stimulation de la création. Le Centre Pompidou présente, avant sa longue fermeture pour travaux, une petite partie des ces nombreux microcosmes créatifs : « des artistes originaires d’Afrique, des Amériques et des Caraïbes qui ont vécu à Paris entre 1950 et 2000. »
« Mes sujets sont ces êtres que personne ne regarde. Mais ce sont pourtant eux qui font marcher le monde. Ils font le travail. » Ainsi Richard Avedon présentait-il, en 1985, sa série In the American West, exposée à la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris. Il s’agit de 103 portraits, tous sur le même modèle, sur fond uniformément blanc et en lumière naturelle (celle de l’Ouest américain disait-il), de ces personnes qui « font le travail »… quand elles en ont un. Nous sommes, en 1979, à l’aube de la révolution conservatrice qui bouleversera la vie de millions de gens ordinaires, ceux que le néo libéralisme naissant va frapper le plus durement.
« Née à New York au début des années 1970, la musique disco devient rapidement un phénomène planétaire, dont l’esprit et l’esthétique façonnent aujourd’hui encore nos cultures populaires. » (I’m coming out, cartel de présentation de l’exposition).
Agnès Varda est un cocktail rare et accompli d’humanité et de créativité. Dans toutes les circonstances de sa vie, face à tous les défis auxquels elle s’est confrontée, elle a apporté des réponses toujours originales et surprenantes, toutes empreintes d’une humanité profonde et d’une créativité qui a toujours semblé sans limites.
Zola écrivain, Zola journaliste, nous connaissons. Zola théoricien et critique, Zola intellectuel engagé, chroniqueur de la société du second empire puis défenseur admirable d’Alfred Dreyfus, nous connaissons. Mais Zola photographe ?
Enfin arrive le temps où il n’est plus vraiment nécessaire de présenter Suzanne Valadon. Modèle, puis dessinatrice, peintre, à Paris, des années 1880 à sa mort en 1938, elle est restée ignorée jusqu’à une période récente qui a vu son travail solide et original enfin reconnu, promu et présenté dans des expositions majeures dont les plus récentes ont été organisées en 2021 au monastère royal de Brou (avec les femmes peintres et sculptrices de la période 1880-1940) et au Centre Pompidou Metz (Un monde à soi) en 2023.
Solid Light est le titre d’une création d’Anthony Mc Call présentée à la Tate Modern jusqu’à la fin du mois de juin 2025.
Life, Love and Death in Sicily. La Photographers’ Gallery fait un travail sur le rapport de la photographie et des sociétés qui mérite d’être souligné. Après avoir présenté les photos d’Ernest Cole, le photographe de l’apartheid en Afrique du Sud et du racisme aux USA, elle présente le travail de Letizia Battaglia.
Joel Meyerowitz est ce qu’on pourrait appeler un pape de la photographie de rue. Toute sa vie il a sillonné New York, son appareil photo à la main. Il a été le premier à photographier en couleur. Plus tard, il a été le le seul photographe autorisé à photographier le site du World Trade Center immédiatement après l’attaque du 11 septembre 2001. Son travail a été publié en 2006.
Le Moco Museum est un musée indépendant qui présente un large éventail d’œuvres d’art moderne, contemporain et de rue. Il est implanté à Amsterdam, Barcelone et vient tout juste de s’établir à Londres.
Olga de Amaral est une pionnière du mouvement du Fiber Art. Cette artiste colombienne née en 1932 à Bogota a toute sa vie réalisé des oeuvres textiles qui combinent les matières, les échelles, les formes et les techniques. Sa pratique emprunte aux traditions populaires de son pays autant qu’aux principes modernistes.
Le monde comme il va était le titre d’une des expositions de la Bourse de Commerce / Pinault Collection. Kimsooja y excellait avec son installation To Breathe. Formellement, rien de compliqué : un tapis de miroirs sur le sol. Mais, en réalité, la part du rêve envahit ce lieu et saisit ses visiteurs.
Aujourd’hui la vie d’Ernest Cole fait l’objet d’un film de Raoul Peck, « Ernest Cole, Photographe ». Au cours de l’été 2024, The Photographers’ Gallery présentait à Londres une exposition consacrée à House of Bondage, un ouvrage central dans l’oeuvre d’Ernest Cole. Je profite de la sortie de ce film pour revenir sur l’oeuvre de ce photographe qu’on a pu voir récemment à Londres.
Der blaue Reiter. The Blue Rider. Le Cavalier bleu. Fondé en 1912 à Murnau, ce groupe d’artistes ambitionne de réduire encore ce qu’il reste de naturalisme dans la peinture expressionniste. Bien qu’éphémère (il ne résistera pas au choc de la Première Guerre Mondiale et se dissoudra en 1919), il oeuvre fortement à l’évolution de la peinture expressionniste vers l’abstraction et contribue aux fondements conceptuels de plusieurs disciplines. Ainsi, Feininger, Klee ou Kandinsky rejoindront le Bauhaus à sa création en 1919.
Inès di Folco Jemni rêve. De ses rêves elle fait des peintures sur d’immenses toiles suspendues qui ondulent doucement. Inès di Folco Jemni aime les mélanges : des oeuvres des maîtres, en particulier ceux de la Renaissance italienne, qui lui viennent de sa formation ; des valeurs, images et rituels des deux rives de l’Atlantique, qui lui viennent de ses voyages et séjours dans le monde ; des multiples médias, littérature, musique, photo… qu’elle pratique intensément et qui nourrissent sa créativité.